這本書很有分量，這裡的分量不是比喻，是實打實的，重量是4斤，我覺得可以左手舉著1001童書，右手1001幅畫，練習我的二頭肌。
如果用一句話來概括，《有生之年一定要看的1001幅畫》是以時間線來串起經典作品的人類繪畫編年史。
這套書的專業性、權威性：
《有生之年一定要看的1001幅畫》由英國皇家藝術研究院的院士史蒂芬·法辛領銜主編，邀請了來自全世界的83位藝術家、博物館管理者、藝術評論家和藝術品收藏者，組成國際撰稿人團隊，從3500年的人類繪畫史上，精選了1001幅代表作，並加以精要的點評。
史蒂芬·法辛
《有生之年一定要看的1001幅畫》這本書資訊量大，兼具專業性、知識性、趣味性。從古埃及壁畫到現代藝術，有耳熟能詳的名畫，也有不應被忽視的傑作；有大博物館的藏品，也有鮮為人知的博物館的藏品。
把這本書帶回家，相當於在家裡開了一個全世界藝術藏品精選展。
我把這本書和霍金的《時間簡史》一起放在書架上。為什麼呢？因為我覺得，如果說《時間簡史》是探知宇宙的歷史，《有生之年一定要看的1001幅畫》就是探索人類美的歷史。
從時間的尺度上拓展了我們對世界的認知，創造出一種複雜而豐富的文化體驗。
《有生之年一定要看的1001幅畫》不同國家版本封面
3500年，精選1001幅畫。這本書首先從時間的尺度上拓展了我們對世界的認知，其次，這本書選擇的圖畫從地域的跨度上也是驚人的，我們很少能夠同時在一本書裡讀到來自歐美、中國、日本、印度、伊朗、埃及的繪畫。
這裡面有宏大和細微交織的時光：伊特魯利亞的藝術、拜占庭基督教藝術、印度教與佛教藝術、哥特式藝術、文藝復興時期的藝術、印度莫臥兒王朝藝術，還有日本的浮世繪、土耳其的細密畫、玻利維亞的油畫……
展示了人類不同地域的藝術家獨立發展、互相影響的藝術史，呈現了人類在漫長的歷史長河中對美的認識和表達方式的變化。
將這些圖畫放在一起，我們可以看到文化的傳承，從古希臘、羅馬到文藝復興繪畫史就不用說了，還有日本的浮世繪作品對19世紀新藝術運動和很多印象派畫家的影響，包括給梵高和莫奈提供了靈感的源泉。
菱川師宣《盼首美人圖》
梵高《耳朵綁著繃帶的自畫像》（可以看到牆面上的日本浮世繪）
而西方繪畫也影響了東方，例如圓山應舉等日本畫家將西方的寫實主義與傳統的東亞繪畫藝術相結合，創立了京都畫派。
圓山應舉《黑白兔素描》
唯有在這樣一本宏大篇幅中，我們才能迅速對比出同一個題材在不同的時間維度上，人們呈現出不同的理解。
比如說亞當和夏娃的故事，很多藝術家創作過這個題材，《有生之年一定要看的1001幅畫》選入了多幅。
在1530年老盧卡斯·克拉納赫畫的版本里，夏娃被描繪為一個充滿歉疚的人物，她很清楚讓亞當食用禁果意味著什麼，但是她沒有辦法抵抗蛇的誘惑。畫面上，夏娃天真美妙的身體，含有一種無法抵抗誘惑的軟弱和無奈。
老盧卡斯·克拉納赫《亞當和夏娃》
而1550年義大利文藝復興藝術家丁託列託所繪製的《亞當和夏娃》則是把夏娃放在了畫面的正中間，亞當背對著觀眾。這樣觀賞這幅畫地觀眾，正好處於亞當的位置，夏娃伸出的手好像要把禁果遞給觀賞者。
亞當和夏娃置身鬱鬱蔥蔥的曠野，一派純真無知，而亞當的左邊是一片昏暗的區域，預示著人類即將到來的墮落。
丁託列託《亞當和夏娃》
全書最後一幅圖畫也是亞當和夏娃的故事，是肯亞的藝術家瓦格西·姆圖為2015年的威尼斯雙年展做的裝置藝術的一部分，放在入口擔當歷史背景。
畫中沒有亞當，只有將人體、機器、植物一起嫁接的夏娃。她正要摘取生命樹上的禁果，畫面平靜而古怪，表現出了夏娃對蘋果的覬覦，也傳達了人類對物質的貪婪。
瓦格希·姆圖《摘禁果的人》
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閱讀《有生之年一定要看的1001幅畫》，也能看到當珠玉在前，後起之秀如何在巨人肩膀上進行再創造。
比如說1656年的油畫《宮娥》，運用了透視法、幾何學、視錯覺創造了一個真實又神秘的空間，被稱為是“關於油畫的油畫”，迷倒了無數的藝術家。
迭戈·委拉斯開茲《宮娥 》
1970年，克羅尼卡組合繪製了《1970年的宮女》，把幾百年前的《宮娥》挪到了20世紀60年代風格的臥室裡，房間裡擺滿了塑膠玩具。畫面蘊含著什麼意思呢？觀眾們可以自己領悟。
克羅尼卡組合《1970年的宮女》
再比如《維納斯的誕生》這個題材，大家很熟悉義大利畫家桑德羅·波提切利於公元1487年創作的畫布蛋彩畫，畫中的維納斯從海洋中誕生，風神把她送到岸邊，春神從右邊急忙迎來，正欲給她披上錦衣。
畫中的維納斯的身材比例是不太正常的：脖子特別細長、手臂也超過正常長度，看起來有一種特別柔弱、迷茫的美。
桑德羅·波提切利《維納斯的誕生》
1905年，畫家雷東對維納斯的誕生這個著名古典神話進行了再詮釋，把維納斯畫得好像在一個洞穴裡，背景也是超現實主義的，看不出是在什麼地方，也可能是天空，也可能是在海里的貝殼，這一切都留給觀眾去想象。
奧迪隆·雷東《維納斯的誕生》
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《有生之年一定要看的1001幅畫》中多重的文化傳統，加上現代的意識，給讀者創造出了一種複雜的文化體驗。美是多種多樣的，不同的時期對美的看法不同、呈現各異。
全書第一幅畫選的是公元前1420年至公元前1375年古埃及貴胄墓穴的一幅壁畫《有水池的花園》，用靜謐的靛藍色和飽滿的黃褐色描繪了充滿喜悅的來世的生活，讓我們看到4000多年前古埃及的生活和信仰。
佚名《有水池的花園》
第二幅畫《工作中的金匠們》同樣出自古埃及墓穴的壁畫，墓穴的兩位主人分別是工匠和雕塑家。他們為自己所設計的安息墓穴，可以媲美任何貴族的墓穴。留下的這幅壁畫描繪了手藝工人從事的各種工作，展現了不同方向的手，留住了勞動者的吉光片羽。
佚名《工作中的金匠們》
《有生之年一定要看的1001幅畫》還選入了一些容易被忽視的作品。比如，1642年的西班牙畫家朱塞佩·德·貝爾所繪製的《畸足者》，描繪了一個乞丐男孩。這是一個腳部有畸形的男孩，手也有缺陷。生活如此殘酷，他卻堅毅地面對。
他面對觀眾微笑著，充滿了自信；腰桿挺得直直的，有畸形的腳也是非常有力地踩在地上；神氣地把柺杖扛在肩頭，顯得很輕鬆而不是絕望。
畫家不是在骯髒的角落展示男孩的畸形、求得他人的憐憫，而是把他放在一個靜謐的風景裡，並採用仰視的角度使男孩顯得高大，使我們想起古典繪畫裡描寫神話英雄採用的角度。一個原本很可憐的畸形兒，呈現出了人的尊嚴，讓我們領會到別樣的美。
朱塞佩·德·裡貝拉《畸足者》
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《有生之年一定要看的1001幅畫》選材廣泛、相容幷包，來自業內人士的簡潔精當評語也是一大看點。
例如梵高的《向日葵》，這幅畫大家太熟悉了，書中是如何評論的？只用了寥寥數語來概括這幅畫的特點：
“斜開的黃色花瓣用一種近乎癲狂的能量塗成濃墨重彩，拍散的顏色製造了一種深橙色穀殼的質地。梵高不像其他印象派畫家，他不試圖再現他看到的東西，而是更加隨性地使用色彩，用更大的力量表達自我。”
梵高《向日葵》
綜合閱讀全書的感受，讓我聯想到“密點印象派圖畫”，就像張愛玲說過的一段話：
“像密點印象派圖畫，整幅只用紅藍黃三原色密點，留給觀者的眼睛去拌和，特別鮮亮有光彩……這一派無論畫的房屋街道，都有‘當前’的感覺。我想除了因為顏色是現拌的，特別新鮮，還有我們自己眼睛剛做了這攪拌的工作，所以產生一種錯覺，恍惚是剛發生的事。”
《有生之年一定要看的1001幅畫》單個看，每一幅畫都是藝術的傑作，每一幅畫都是一個彩色的小點，綜合在一起形成煌煌巨卷，構建成跨越浩瀚時空的美的長卷。
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