藝術不需要被他人定義，受他人支配。
藝術家有責任引領大眾的審美方向，這種引領並非簡單地迎合大眾的審美習慣，而應該提升審美素質。
好的作品，感人的作品，能夠傳世的作品，一定有其深刻的思想內涵和豐富的個人情感。
很遺憾的是，現在的文化圈子越來越小。
藝術創作不是你刻意決定要去做什麼，而是自然而然形成的，不要考慮得太多，也不要計較得失。
技法是從有法到無法，一個成熟的藝術家到了一定程度不會再考慮筆墨的問題了。
我發現大部分書畫愛好者喜歡糾結於筆墨問題、技法問題，為什麼不能從古代經典作品中看到作者情感的流露，看到他們的精神境界呢？
劉一原訪談
嘉 賓
劉一原
記 者
蘭幹武
時 間
2021年11月29日
地 點
劉一原工作室
文字整理
劉 娟
攝 影
姜 陳
劉一原 /簡介
1942年出生於武漢。湖北美術學院中國畫系教授、碩導。
出版有《山水畫藝術處理》《心象風景——劉一原水墨藝術1986—2008》《心象伸延——劉一原水墨藝術2008—2014》《20世紀湖北美術家·劉一原》。
曾舉辦劉一原心象風景展（中國美術館）、一原心象——劉一原現代水墨藝術展（上海美術館）、Truth in Painting——劉一原水墨藝術展（法國）、生命之痕——劉一原水墨藝術展（義大利）、楚騷迴響——劉一原水墨藝術展（湖南省博物館）、楚天放神——劉一原當代水墨藝術展（湖北美術館）等。
蘭幹武（以下簡稱“蘭”）：
據我瞭解現在有好幾個美術館收藏您的作品，您是如何看待這個事情的？
劉一原（以下簡稱“劉”）：
近幾年是有一些美術館收藏我的作品，這就要談到關於藝術品捐贈的話題了。捐贈工作是藝術家所從事的藝術事業的一部分，到了一定的年齡，特別是上了一定年紀的藝術家都會考慮這個問題。我在五六十歲時還沒有思考過這個問題，那時只顧創作作品。到了近80歲時我就開始考慮作品捐贈的問題了。我從以繪畫為職業開始，到現在已經有62年了，在這期間我為藝術付出了很多，也經歷過許多坎坷和艱辛，最終經過自己不斷努力，在現代水墨藝術的探索與研究方面取得了一定的成績，並受到了中國美術界的關注。
國家級美術館接受捐贈的門檻比較高，捐贈的作品要達到美術館學術委員會認定的水準，才予以收藏。作品被美術館收藏，也是對畫家自身藝術成就的充分肯定。在我看來，最好的畫應該留在美術館，讓觀眾共享，讓更多的人瞭解，對我的藝術進行研究。如果作品僅被私人收藏，他們不會把藏品經常展示出來，甚至把作品當作個人的財產，而不願意暴露。但是美術館不一樣，美術館是以收藏、研究、展覽，並以社會教育為己任的機構，作品捐贈給美術館，由國家來保管，讓人放心。我為藝術奮鬥拼搏了一輩子，把我最具代表性的作品捐贈給國家級的美術館，是我最大的心願，也是它們最好的歸宿。
我看到過去一些老藝術家因為缺乏捐贈意識，沒有做好這方面的工作，他們一去世，給美術界留下很多遺憾。這主要是他們對這個問題沒有前瞻性，有的根本沒有思考過，再加上當地政府不夠重視等造成的。所以趁我還健在，頭腦還清晰，還能為自己做主的時候便作出捐贈的決定。
▲ 劉一原 國畫 金字塔 192cm×240cm 2008年 中國美術館藏
蘭：
藝術家應當具有前瞻性，為自己的作品找一個“好婆家”、好歸宿。實際上您講的這個問題很普遍，很多藝術家到了晚年都很傷腦筋，自己的作品往哪裡放，到哪裡去？
劉：
每位老藝術家的家庭情況不一樣，有的家庭有專業繼承人，他們很重視自己長輩的事業，這種情況會好一些。如果家裡沒有懂行的，作品處理不當，可能就隨意賣掉了，很可惜！
近期，我看了傅抱石的展覽，更加堅定了我捐贈作品的信念。傅抱石的家屬曾經將珍藏的360餘幅傅抱石的精品捐獻給國家。如果他的家屬沒有將這一批畫捐贈給南京博物館，普通群眾就不能領略他的風采，接受藝術原作的薰陶了。
蘭：
您剛才提到捐贈作品給美術館的過程是很慎重的，不是隨便挑幾件作品，而是把各個時期具有代表性的作品進行捐贈是嗎？
劉：
除了不同時期的代表作，我還會根據不同美術館的收藏定位進行捐贈。由於受到地域、經濟、文化等不同因素的影響，不同的美術館會有不同的側重點，形成各自特有的館藏特色。因此我將以楚文化為主題的繪畫捐贈給了湖南省美術館，現代水墨畫捐贈給了上海美術館，而把大部分作品捐贈給家鄉的武漢美術館、湖北美術館。因為我是湖北籍的畫家，這裡滋養了我的創作，將大部分作品留給當地美術館更有意義，對日後的個案研究也會方便一些。
蘭：
您現在捐贈的作品主要是現代水墨“心象風景”一類的嗎？
劉：
是的。“心象風景”是我在中國傳統繪畫的根基上拓展、衍化而出的現代水墨，具有獨特的藝術風格。國家級美術館的收藏是站在學術和藝術史的高度上看待的。我的水墨藝術“心象風景”是對中國水墨走向現代、走向當代的一個獨特貢獻，這與美術館的收藏理念應該是一致的。
蘭：
美術館收藏作品所站的高度是不一樣，要求作品具有藝術的原創性和鮮明的藝術風格。
劉：
我認為繪畫不能老是重複自己，要不斷創新。如果我的畫每張都差不多，沒什麼區別的話，別人會說我的畫是商業性繪畫，或者我的畫和別人大同小異、無獨特的追求，這樣的作品美術館收藏是毫無意義的。我的工作室牆上掛的這些畫沒有一張是重複的。我畫的抽象水墨打破了傳統山水畫勾、皴、擦、點、染的程式化，是一種墨、粉、色“複合型”的繪畫。作畫過程是翻來覆去、顛三倒四的，具有一定的隨機性和偶然性，所以作品自己也無法複製，很多細節和變化只有在原作上才能看得到。
▲ 劉一原 國畫 神暢 140cm×357cm 2019年 湖北美術館藏
蘭：
您的現代水墨“心象風景”是從什麼時候開始探索與研究的？
劉：
這就要談到關於藝術創新的問題了，創新不是為了創新而創新，一切都是發自內心的需要。當我畫山水、花鳥表達不了我內心的情感時，必須尋求一種新的方式來表現。
有人對我研究的現代水墨提出過質疑，認為我是在趕時髦，以前傳統的山水、花鳥畫得很好，現在弄個不中不西的東西。還有的說我受到了藝術批評家的“蠱惑”。其實，這些看法都是對我的誤解。藝術是屬於個人表達自我的方式，它是個人行為。藝術不需要被他人定義，受他人支配。藝術家有責任引領大眾的審美方向，這種引領並非簡單地迎合大眾的審美習慣，而應該提升審美素質。
藝術家創造了一種新的作品，也就是創造了一批能夠欣賞新作品的新的審美觀眾。在國外有畢加索，就有了欣賞畢加索作品的“粉絲”。有馬蒂斯，就有了欣賞馬蒂斯作品的“粉絲”。同樣，在中國有齊白石，就有一批欣賞齊白石畫的愛好者。藝術家的職責在於全心從事藝術創作，致力於藝術革新。
“心象風景”出來之前我就一直在思考，我該畫些什麼呢？我的傳統功底已經很好了，畫古畫幾乎能以假亂真，但那只是重複古人，不是我自己想要表達的內容。傳統繪畫在宋代和元代已經達到無法逾越的巔峰，現代人無法超越。就像寫詩超不過李白、杜甫，寫詞超不過蘇軾、辛棄疾一樣。有的人自認為傳統畫已經畫得很好，其實只不過學了一點皮毛，有的甚至連皮毛都不沾。
既然無法超越古人，我們如何從傳統中走出來，找到自己的出路呢？一件作品想要打動人心，一定要有包含情感的內容，這些內容能夠吸引讀者，從而產生情感的共鳴。被稱為天下第二行書的《祭侄文稿》是顏真卿在極度悲傷、情緒激動的心境下寫成的。文字隨他的情緒起伏，縱筆而為，一氣呵成。他不是為了書法而寫，純是精神和平時功力的自然流露。可見好的作品，感人的作品，能夠傳世的作品，一定有其深刻的思想內涵和豐富的個人情感。只有具備了這些，畫家的作品才能夠獲得應有的生命力。
我在繼承傳統的同時還要有自己獨特的創新，我堅持從傳統中走出來，在自然山水中訴說生命的感悟、理想、希望，在尊重大自然體驗的同時，更注重主體心靈的抒發和情感的表達。
從外部環境來看，我的“心象風景”受到兩方面影響，一是有好的創作環境。我很懷念上世紀八九十年代，那是個思想自由、開放的年代。在改革開放和中西方文化交流的背景下，極大地激活了藝術創作與藝術觀念，畫家們把個人情感融入畫面，追求自我情感的表達。
另一個方面與我的個人經歷有很大的關係，繪畫生涯的前20年我畫的是中國傳統繪畫，在傳統方面打下了堅實的基礎。1980年代中後期我有幸生活在一個文化濃厚的朋友圈中，當時我們都是同等學歷考取研究生的。那時每個星期都要舉行一次文化沙龍活動，參加的有詩人、畫家、美學家、哲學家、歷史學家、經濟學家等。在這樣的一個文化圈裡，大家相互交流、討論、碰撞，相互學習，相互啟發，受益匪淺。你會發現不同領域的人，帶給你不同的思維方式和新的知識。很遺憾的是，現在的文化圈子越來越小，如書法家只和書法家在一起，國畫家只和國畫家在一起，大家只和本專業的人交流探討。當我們所接觸的人群比較單一時，思維就會侷限在一個很小的認知範圍。有人說我的現代水墨受到文化精英沙龍的影響，實際上也確實如此。
“心象風景”這個名稱最初是策展人在1998年策劃我的個人展覽時提出的，是用來概括我的水墨藝術風格的一種簡潔描述。“心象”即心靈蹟象，它屬於作者的主觀感受。“風景”有著比山水更寬泛的含義，自由想象更多一些。“心象風景”連在一起表現了我對自然、社會、人生的思考。我非常喜歡盧梭《一個孤獨的散步者的遐想》裡面的一句話：當我遇到了疑惑和異議的事情，無法決定的時候，我就用我的情感來決定。所以我在藝術追求上感到迷茫，不知道該怎麼畫的時候，就用情感決定畫面，畫自己最感動、最想畫的畫。藝術創作不是你刻意決定要去做什麼，而是自然而然形成的，不要考慮得太多，也不要計較得失。
▲ 劉一原 國畫 廣廈 192cm×250cm 2012年 武漢美術館藏
蘭：
您是從傳統繪畫中走出來的，一個藝術家區別於別的藝術家要有自己的繪畫語言，形成獨特的風格，您是怎樣看待自己筆墨語言的獨立性的？
劉：
我希望我們的國畫家、書法家不要總是糾結於筆墨，關於筆墨張仃與吳冠中之間發生過爭論，這是一個談論了很久的話題。比如初學者在開始學習國畫時要臨摹，掌握基本用筆、用墨的技法。隨著時間的積累，基本功已經很紮實了，若還是強調筆墨，就沒有必要了。難道藝術創作僅僅是為了表現筆墨嗎？答案是否定的。藝術創作是表達作者思想情感的，筆墨只是思想與情感的載體，畫家透過筆墨來傳情達意。技法是從有法到無法，一個成熟的藝術家到了一定程度不會再考慮筆墨的問題了，因為那是一個畫家應該具備的基本素質，筆墨會自然而然地流露在你的畫中。同樣，一位歌唱家，當他唱到一定程度時，已經沒必要再強調基本的發聲方法了，而是用歌曲詮釋內心的情感，以情動人、以情感人。
我發現大部分書畫愛好者喜歡糾結於筆墨問題、技法問題，為什麼不能從古代經典作品中看到作者情感的流露，看到他們的精神境界呢？這是一個值得我們反思的問題。
蘭：
您說的這些，就像捅破了那層“窗戶紙”一樣，讓人一下子把筆墨看清楚了。像您畫的“心象風景”已經和傳統繪畫拉開了很大的距離，作品裡肯定有您自己獨特的繪畫語言，如果這不是筆墨語言，那是一種什麼繪畫語言呢？
劉：
繪畫語言是靠積澱得來的，年輕時打下了基礎，我畫“心象風景”很多都是從傳統繪畫中的語言提煉出來的。我把傳統繪畫中的點、線抽離出來進行改造，再加上水墨材料的實驗，使水墨融入現代的審美空間。用線形色的特定組合表達某種情緒、意念等精神內容。
我曾經呼籲，畫家一定要對傳統繪畫中的藝術語言形式進行深入研究。山水畫中的皴法是一種繪畫技法，種類很多，如披麻皴主要是表現南方的土山、土丘，斧劈皴主要是表現北方的大山和堅硬的山石。這些皴法雖然與自然物件有著密切的關係，但是它自身又有著獨立的形式美。傳統繪畫中的皴法、點法、描法是畫家透過對大自然的觀察感悟所創造的表現形式和語言，而我則利用了這些語言元素進行演繹和再創造。
音樂對我影響很大。從喜愛程度來說，我把音樂排第一，繪畫排第二。音樂是一種直接性的情感抒發，它是所有藝術形式中最能直叩人心的。我特別愛聽交響樂，這種感染對自己畫面的節奏、動感以及色層空間產生了影響。
▲ 劉一原 國畫 行跡 250。5cm×286。5cm 2017年 廣東美術館藏
蘭：
什麼是實驗水墨、抽象水墨？
劉：
實驗水墨是一種探索性的水墨，為水墨畫開闢了一條新的道路。抽象水墨是一個大的概念，它借用了西方“抽象”一詞，但有水墨本身的特質及文化內涵。實驗水墨、抽象水墨並不是畫派，我認為“畫派”對今天來說意義不大。畫派的形成是由於當時地域的侷限，一個地區的畫家時常聚在一起，形成一個有共同藝術追求的群體。現在人們的生活環境、生活方式、思想感受與古人大不一樣了。所以在今天這個多元化的資訊時代，強調畫派不僅不利於當代美術事業的繁榮發展，還會侷限藝術家的創作視野，束縛畫家的藝術創新能力。
蘭：
您的“心象風景”算不算抽象水墨？
劉：
“心象風景”是抽象水墨的一種表現形式，若冠以抽象繪畫的概念就不準確了，純粹的抽象繪畫如西方的波洛克、康定斯基才是。
清華大學美術學院藝術史論系博導島子先生，給我寫過一篇文章名叫《劉一原的意象性抽象水墨》，他在前面加了個意象性的概念，這種意象是指蘊含著東方意境和自然跡象，不是純形式的抽象繪畫。島子先生的定位恰如其分。
蘭：
那您是不是也受到抽象畫的影響呢？
劉：
抽象畫給我的啟示是具有現代感及現代意識。德國當代著名畫家基弗對我的繪畫創作實踐有著深刻的影響。德國是一個盛產哲學家、思想家的國度，那裡的藝術家也很有思想。基弗的作品滲透著歷史及文化的深刻反思和思考，曾對我的現代水墨“心象風景”有所啟迪，我崇尚有思想內涵的藝術家。
蘭：
您的現代水墨畫的創作靈感是怎樣獲得的？
劉：
這種靈感的獲得有兩種方式：一是意在筆先，就是先構思成熟，然後再下筆，這個比較常見。二是意在筆後，開始並沒有什麼明確的想法，只是即興潑灑，隨機生髮，使得靈感受到突然地撞擊而發出火花，並以此為契機，趁機發揮，常能產生意外的佳作。我的很多畫都是這樣畫出來的。總而言之，無論是“意在筆先”還是“意在筆後”，都是積極地創作慾望的產物，它可以使你避免影印機似的重複自己，不斷出新。
蘭：
謝謝劉先生接受我們的採訪。未盡興的話題，我們找機會繼續聊吧。
劉：
可以，歡迎來畫室。
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劉一原 國畫 重生 466cm×184cm 2019年
end