不管怎麼說，一幅油畫到底有沒有神采和意境，不是自己說了算的，還是要接受大眾和專家的評定。所以，藝術家要讓自己的作品具有神采和意境，也不是全由自己的創作思維來決定的。
藝術家在創作時，肯定會有自己的創作目的，到底是為了忠實表達自己的創作思維，還是為了迎合市場需求。有了這樣的想法，一幅畫的神采和意境也會有全然不同的效果。
藝術家和普通大眾在欣賞一幅畫時，審美習慣和審美角度都是不一樣的。對於普通大眾來說，還是習慣以畫得像不像來評判一幅畫畫得好不好，殊不知，這已經是兩個世紀前的評價標準了。
不再追求逼真的當代繪畫，才是更像藝術本身的繪畫。
在19世紀印象派之前，大工業時代還沒有到來，照相技術還沒有發明和普及，作為描繪和記錄作用的繪畫，總是在追求畫得越逼真越好。畢竟，民眾需要一幅逼真的肖像畫來瞻仰他們尊貴的國王與前人，需要一幅儘可能還原真實樣子的風景畫來聊以慰藉，需要一幅擁有高超寫實技法的作品來彰顯大師畫作的價值，需要把理想的美清晰描繪出來給自己的子民們看來維持統治。
古典藝術，是需要逼真的，因為它的目的，就是要讓所有看到的人都明白傳達出的內容。所以，那個時候的人評價一幅畫的標準主要就是畫得像與不像，也就是順理成章的事情了。那些看上去生動而逼真的肖像畫，一般都是為皇室和貴族人士創作的，所以藝術家的創作目的主要就是滿足這些人的審美習慣和需求。
但是油畫藝術發展到今天，不再是貴族們獨享的東西，藝術家的創作思維更加自由了。在這樣的時代，如果一個藝術家的創作目的並不侷限於養家餬口的話，他的創作目的也會變得越來越廣泛。這時候可能會在作品中變現出一些獨到的藝術內涵，這些東西可能一般人不太好理解，卻能表達出藝術家自己的訴求。
創作思維變了，審美習慣自然也會跟著改變。比如梵高的畫，當時根本無人問津，無論是專家還是普通大眾都很難接受。人們厭惡他狂放不羈的色彩和粗獷的線條，甚至覺得有些畫面不堪入目。但是幾百年後的今天，梵高的作品所表現出來的藝術魅力讓無數人為之傾倒，會把他的《星空》印在畫冊的封面，也會把《烏鴉飛過麥田》掛在家裡最顯眼的地方。
這個時候，無論是藝術家本人，還是欣賞作品的人，都對藝術作品的神采和意境有了新的理解。
就算是那些雅俗共賞的寫實風格或超寫實風格的作品，也與印象派出現之前的古典寫實主義風格有了質的飛躍。至少在色彩表現力方面，已經是不可同日而語了。何況，有了攝影技術的幫助，讓繪畫可以更加自由的表現情感與思想，創作起來也更為輕鬆。
由此可見，不同的繪畫風格，不同的創作思維，不同的創作目的，就會在自己的作品中表現出不同的神采和意境。
當然，這也只是驚龍軒一家之言，歡迎與大家一起交流探討。謝謝！